¡Ojo Spoiler! Creo recordar que en la versión doblada al español se escucha lo que le dice Bill Murray al oído a Scarlett Johansson en la secuencia final de ‘Lost in translation’. Lo curioso es, que en la versión americana, estamos ante un susurro ininteligible. Ahí es donde está la gracia, y entiendo el motivo por el que Sofia Coppola no quiso dejarlo claro: dejar a los espectadores pensando con lo que le habrá dicho el personaje de Bill Murray. Un final que en la mayoría de los casos entenderíamos como una despedida.

¿Es correcto lo que intuíamos? ¿Hubo pifia en el doblaje? ¿Qué le dice realmente? Pues alguien ha intentado comprobarlo y ha realizado un análisis de audio.

El texto es el siguiente:

I have to be leaving… But I won’t let that come between us. Ok? Ok.

Y la traducción:

Tengo que irme, pero no voy a dejar que eso se interponga entre nosotros, ¿vale? Vale.

Pensado para todos aquellos que tuvieran la curiosidad de saber qué le susurran a Scarlett al oído.

ACTUALIZACIÓN: Un lector nos deja en un comentario la traducción realizada en el doblaje en España de esta escena. Simplemente, ahora comprabais el bien que le hace el doblaje al cine. ¡Qué forma de cambiar por completo la idea de una secuencia! Como un huevo a una castaña, vamos.

Eres lo mejor que me ha pasado en mucho tiempo… No pierdas nunca esa sonrisa.

(Gracias Satis)

Vía | Kottke

Como a muchos que conozco, tu aparición en la película ‘Lost in Translation’ supuso una especie de flechazo. En esta cinta destilas una belleza natural y sensual a partes iguales, con una voz sugerente y una interpretación ajustada, inspirada (pocas veces una mirada podía comunicar tanto), que da la réplica perfecta a Bill Murray. Tu papel de Charlotte, me ha supuesto un antes y un después. Me enamoré. Tu susurrante voz, tu poderosa mirada y tu cautivadora sonrisa me impactaron. Quise conocerte. Quería ver todas tus películas y esperaba tu siguiente aparición con impaciencia.

Desde entonces te convertiste en una estrella mediática. Tanto, que tu imagen es difícil esquivarla por cualquier sitio: revistas, publicidad… y ahora hasta escuchando música (tu disco es para escuchar en la intimidad y no para gritar en un macroconcierto). Una explosiva rubia, que explota su imagen de joven atractiva, seductora y con pronunciadas curvas. No es tu faceta de modelo ni de mujer endiosada y venerada la que más me gusta. Eso de verte encabezando listas de las féminas más sexys del planeta no te hace mérito, te convierte más en un icono femenino para muchos hombres, pero sigo prefiriendo a la Scarlett que sonríe y derrite con su mirada en el cine. Me sigo quedando con tu atractivo en la gran pantalla.


Desde ‘Los in Translation’ tu fama te ha convertido en una de las actrices más admiradas y aclamadas, y sabes jugar a la perfección ese papel. Te mueves con soltura en la alfombra roja y compartes plano con otras grandes estrellas con una tremenda soltura. Pareces concebida para ser lo que eres. Para ser una mujer admirada, atractiva, inteligente y multifacética.

Pero claro, echando la vista atrás, se puede apreciar, como a tus tan sólo 24 años, ya posees una carrera cinematográfica muy dilatada. Desde aquella niña que aparecía en papeles de películas independientes (‘Un muchacho llamado Norte’, de Rob Reiner), hasta convertirte en el fetiche de cineastas “indie”, pero tu apuntabas alto y también te dejaste caer en grandes producciones junto a imponentes actores (con Sean Connery en ‘Causa Justa’), todo un camino hacia el reconocimiento (‘Manny & Lo’) que Robert Redford supo otorgarte (‘El hombre que susurraba a los caballos’), alabando la precocidad de tu madurez. Y dejaste atrás a la niña que convertirte en una interesante adolescente que daba el salto cualitativo para ganar el protagonismo a base de trabajo (y títulos olvidables) llevado a cabo.

Después de tu papel de Charlotte pasaste a formar parte de la terna de actrices contemporáneas que reivindican su lugar en el olimpo de Hollywood, pero sin perder la autenticidad de alguien que sabe seducirte tanto por una incuestionable atracción física como por una inteligencia poco común en el tópico de mujer rubia y sexy. Todo ese potencial fue pescado por Woody Allen que te convirtió en su musa. El prolífico y obsesivo neoyorkino te adoptó como ángel inspirador en la inteligente ‘Match Point’, en la algo más floja ‘Scoop’ y pronto te podremos ver en la (según parece divertida) ‘Vicky Cristina Barcelona’ (¿es cierto que no has acudido a Cannes porque te obligaban a compartir hotel y peluquero con Penélope Cruz? porque yo no me lo termino de creer).

“Tiene talento, tiene belleza, lo tiene todo”.

Es lo que ha dicho de tí Woody Allen, uno de los artífices de tu alzamiento al estrellato y que no ha escatimado en elogios en ningún momento. Afirma que eres una actriz que ilumina y transmite energía cuando apareces, logrando acaparar la atención de inmediato. No puedo estar más de acuerdo. Y eso que no he tenido el privilegio de compartir un espacio próximo, ni siquiera como estrella-fan embobado (ya llegará).

“No sabes muy bien qué hay detrás de sus ojos”.

Comentó Brian de Palma acerca de tu poder de atracción. Y en otra ocasión Laurence Fishburne te preguntó si preferías ser actriz o estrella. Tu respondiste que las dos cosas. Eso es tenerlo claro. Christopher Nolan afirmó que “se protege tras cierta ambigüedad” y más recientemente Natalie Portman quedó fascinada tanto en el rodaje como la posterior promoción de vuestra película juntas. Todo ello viene a demostrar que posees algo más que una cara bonita.

Sin embargo, no puedo dejar de reprocharte que cayeras en las garras del más puro cine comercial con ‘La Isla’ de Michael Bay, donde pusiste tu halo de estrella al servicio del espectáculo. Así como otras apariciones menos sustanciosas como en ‘The Prestige’. Pero es comprensible. Tu poderío también se tiene que rendir al gran espectáculo de la industria en Hollywood, y dejar tu impronta hasta en un blockbuster (para eso también te has dejado la piel en cintas que ya nadie recuerda).

Y ahora me relamo con las primeras imágenes tuyas en ‘The Spirit’, a las órdenes de Frank Miller, donde tu sexy mirada enfundada en cuero será capaz de convertir en realidad el sueño fetichista de más de uno (y una).

Nunca dejes que tu faceta de portada de revista o tu sonrisa en la alfombra roja eclipse tu verdadero poder de atracción y seducción en el cine. Me sigue gustando más la Scarlett que veo en la gran pantalla.

Besos.

Un fan.

En Blog de Cine | Scarlett Johansson

Scarlett Johansson es muy guapa, para qué vamos a engañarnos. No es el suyo un rostro fácil o típico, más bien al contrario. Hay quien dice que no es guapa, sino que resulta tremendamente atractiva a cámara. Pero además de guapa, es una mujer, y ella lo sabe muy bien, de explosiva sensualidad, que ha sabido explotar en algunas películas y en muchísimos actos públicos, a los que acude a veces resaltando su voluptuoso cuerpo, y casi siempre con un vestuario que le otorga algunos años más de los que verdaderamente tiene.

Estas dos características pueden fluctuar dependiendo de la película o el momento en que la retraten las cámaras, pero hay un consenso generalizado. Y creo que ahora mismo, son las únicas razones que justifican la gran fama mundial de una actriz que, en mi opinión, lleva demasiados años viviendo de las rentas. Sí, es cierto, no hay muchos papeles femeninos importantes en el cine, pero si ella no los consigue, no creo que haya muchas más que lo puedan hacer. ¿Qué fue de la virtuosa joven de mirada de ángel que nos subyugó a finales de los años noventa?

De Niña Actriz a Diva Erótica

Scarlett siempre supo que quería ser actriz. Dicen que desde los tres años, para asombro de sus amorosos padres. Y consiguió debutar profesionalmente a la temprana edad de ocho años. Pero fue en el teatro, y ella lo que quería era convertirse en una estrella de cine. A los nueve años llegó su primera película, dirigida por Rob Reiner, ‘North’, y la cosa fue bien a pesar de su temprana edad, pero durante algunos años tuvo que aceptar prácticamente cualquier cosa. A fin de cuentas era una niña actriz. Sin embargo tuvo la suerte de que un señor llamado Robert Redford se fijara en ella para un importantísimo papel en su quinta película como director.

‘El hombre que susurraba a los caballos’ no sólo es la mejor película de Robert Redford, sino que es una gran película. Y en ella Scarlett Johansson, con 14 años, borda la primera de las tres mejores interpretaciones de su ya larga carrera. Que con esa edad, y con tan poca experiencia, fuera capaz de sostenerse, de tú a tú, con el veterano Redford y con la maravillosa Kristin Scott Thomas, es una hazaña que quizá a simple vista no lo parezca. Pero más allá de eso, creo que la mejor de ese doloroso triángulo es precisamente Johansson, que sin apenas interpretar, tan solo con su mirada y su presencia, enamora al espectador.

A continuación pudo participar, en 2001, en sendas películas independientes, la absurda ‘El hombre que nunca estuvo allí’ y la irreverente y tierna ‘Ghost World’, aunque no había nada en esos pequeños papeles que aportaran algo a su carrera. Pero el 2003 iba a ser su año. En él verían la luz ‘Lost in Translation’ y ‘La joven de la perla’. Ese fue el inicio de su madurez como actriz, ya convertida en una bella muchacha de 18 años de enigmático rostro. La segunda era una preciosa pieza de época que explotaba el rostro casi mudo y anhelante de una etérea Johansson, en un papel perfecto para ella.

Pero, como habrá supuesto el lector, la de ‘Lost in Translation’ me parece la segunda de sus tres grandes interpretaciones. Se trataba de una aventura emocional de tremenda elegancia que buceaba en las posibilidades de un amor apasionado…pero casto, entre un hombre maduro y una jovencita. Un papel nada fácil, por mucho que se empeñen los numerosos detractores de esta cinta. En esta película Johansson era un dechado de belleza, de verdad, de sinceridad, de dulzura. Incluso aquellos a los que les gustó la película elogiaban su arrolladora, pero delicada, presencia.

Y finalmente, tras un año, 2004, repleto de proyectos intrascendentes, llegó en 2005 la mejor película que Woody Allen había dirigido en diez años, la magnífica ‘Match Point’, para la que Johansson interpretó un maravilloso papel, que iba a exigir de toda su habilidad. Y salió triunfante con creces. En este intenso relato de sexo y crimen, formaba una pareja explosiva con Jonathan Rhys Meyers. Ambos forman una de las parejas más apasionantes del cine moderno.

Con estas tres interpretaciones (de niña herida, de adolescente desorientada y de muchacha perdedora pero sensual), Johansson había demostrado talento y versatilidad, justo lo que le está faltando desde entonces. Además, hacían olvidar las pobres elecciones entre ellas. Ahora bien, el rápido aprendizaje como diva mundial ha ido acompañado de un rápido declive en la elección de sus papeles. Hablando en plata, la preciosa niña se ha convertido en una estrella mundial y en una diva erótica, y ha descuidado completamente su carrera.

Un rápido declive

Digamos que ya no es una niña, y tres papeles buenos entre dos docenas largas de trabajos no sostienen una carrera que se anunciaba tremendamente interesante. Desde ‘Match Point’, esta sensual actriz se ha estancado completamente. Sus dos siguientes papeles con Allen, no son sólo inferiores al primero, sino que está horrible (y muy poco atractiva en ambas, todo sea dicho). En ‘Scoop’ se limita a imitar al anciano director, y en ‘Vicky Cristina Barcelona’ está literalmente espantosa, muy poco creíble y sin la menor chispa.

Tampoco dos papeles que debieron ser importantes le han reportado nada. En la extraña ‘La dalia negra’ se limita a lucir tipazo. Exactamente igual que en la también extraña ‘The Prestige’. De pronto, una promesa del cine independiente, una actriz brillante, se convertía en una mera tía buena sin frase, en otra rubia en papeles postizos. No, sólo podía ser un espejismo. Pero después han llegado ‘The Spirit’ y ‘Las hermanas Bolena’, en las que confirmó que, si se empeñaba, era definitivamente una mala actriz. Eso sí, en ambas sale guapísima.

¿Y el futuro? Suena prometedor: ...será la Viuda Negra en ‘Iron Man 2’ (cuya primera parte aún no comprendo cómo hay gente que la considera una buena película). Es decir, otro papel para lucir tipazo, engrosar su cuenta corriente, y jugar a ser estrella de cine, y que pongan su foto en revistas y blogs para ganar ventas y lecturas. Sin embargo, lo que algunos queremos, es que vuelva esa maravillosa actriz que nos enamoró hace años. Todavía no es tarde. A fin de cuentas…¡sólo tiene 25 años! No será tan díficil…digo yo…

“Nunca volvamos aquí otra vez, porque nunca volverá a ser tan divertido”.

Charlotte

‘Lost in Translation’ es uno de esos raros títulos que dividen a los aficionados al cine; están los que lo odian y estamos los que lo adoramos. Y no es difícil averiguar el porqué. No es ésta una película asequible, de fácil consumo. Incluso, podría decirse que durante gran parte de su metraje no ocurre nada (al menos, nada concreto, visible). Sofia Coppola nos sumerge, a su manera, en el breve y desesperado encuentro entre dos individuos perdidos en un lugar extranjero; no saben quiénes son ni qué están haciendo, pero siguen adelante; la realizadora sitúa la cámara frente a estos personajes sin pedirles que hagan nada especial, para que los observemos y los comprendamos tal como son, en escenas íntimas, para que respiremos su mismo aire, sintamos su misma soledad y desorientación. Esto evidentemente es lo que molesta a sus detractores. Creen que falta más movimiento, más velocidad, una historia más definida, sin tanto espacio ni silencio. Pero precisamente ahí es donde reside su encanto.

Fui a ver ‘Lost in Translation’ cuando se estrenó, la volví a ver en DVD y más tarde en televisión; las tres veces me quedé con la misma sensación, y la disfruté del mismo modo, aunque las circunstancias del visionado no eran las mismas, ni yo tampoco. Hace una semana, pensando en una lista de las mejores películas que he visto en esta década, llegué a más o menos una veintena de títulos, y dudé sobre si incluir o no la película más popular de la hija de Francis Ford Coppola. Así que le quité el plástico a la edición metálica que compré unos meses atrás (a un precio ridículo) y volví a verla. De nuevo llegué a la misma conclusión; es una película de momentos, un conjunto débil que se mantiene en pie de forma increíble gracias a un puñado de grandes escenas aisladas.

Evidentemente, una de las imágenes de la película es la que os he puesto arriba, el trasero de Scarlett Johansson, que aquí interpreta a Charlotte, una chica norteamericana que pasa unos días en un Hotel, mientras su marido sale a trabajar. Con las deseadas nalgas de la joven estrella se inicia ‘Lost in Translation’ (2003); es el primer plano que vemos, y sobre él aparece el título, mientras la pantalla funde a negro. En off se oye una voz que nos da la bienvenida a Tokio. A continuación vemos las calles de la capital japonesa, iluminando la noche, a través de los cansados ojos de Bob Harris, un actor famoso que acaba de llegar desde Estados Unidos para rodar unos anuncios de televisión. Le da vida un genial Bill Murray.

Tras una serie de repetitivas postales, que no hacen más que recalcar lo sola que está Charlotte (Johansson nunca ha estado tan guapa, irresistible, como lo está aquí) y lo desubicado que está Bob, llegamos a la que es una de las escenas más recordadas de la película, el “momento Suntory”. La situación está bien escrita, pero sin Murray no sería ni la mitad de divertida, su reacción es fundamental. Más adelante tendremos una escena muy parecida, e igualmente desternillante, durante una sesión de fotos en la que el actor debe poner mil caras diferentes mientras se supone que bebe el whiskey que está anunciando. Esta parte podría resultar redundante, de no ser porque en ella asistimos de una forma más clara y rotunda al declive artístico del protagonista. Es cuando le vemos arrastrarse por dinero, respondiendo a las cada vez más absurdas peticiones del fotógrafo como si fuera un mono de circo.

Bob pasa por el aro porque simplemente se deja llevar, ha perdido la ilusión y necesita mantener su lujosa forma de vida. Pero Coppola nos presenta a una chica que es una atracción de feria por propia naturaleza, como si fuera un sueño hecho realidad. En otra de las mejores escenas de la película conocemos a Kelly, a quien encarna Anna Faris de forma tan perfecta que parece que realmente ella fuera así (cosa que no parece probable, lo mismo que el trato de Giovanni Ribisi con Johansson, a quien no besa nada más que para despedirse). La estupidez supina de la chica, que a mí no sé por qué me recuerda a Britney Spears, se pone aún más de manifiesto en un momento posterior, cuando están cenando en el restaurante del hotel y les explica que su padre es anoréxico, porque en Vietnam le envenenaban la comida. De nuevo, podría verse esta escena como algo repetitivo, innecesario, pero aparte de que la anécdota es memorable, sirve como preludio al primer encuentro entre Charlotte y Bob, que no la pierde de vista, desde la barra.

Aunque ya se han visto en el ascensor (ella dice que no se acuerda), por fin nuestros dos protagonistas se acercan y mantienen una primera conversación amistosa. Charlotte le pregunta qué hace en Tokio, y Bob responde sinceramente que ha viajado para ganar millones de dólares con un anuncio, en lugar de rodar alguna película; de pasada, nos da otra pincelada de su anodina vida privada, cuando confiesa haberse perdido el cumpleaños de su hijo. Durante la película, Bob mantiene contacto con su mujer a través del teléfono o del fax, gracias a lo cual entendemos que ella está más preocupada por el color de la moqueta (otro momento muy divertido) que de lo que siente su marido, que en todo caso intenta arreglar las cosas demasiado tarde (y de forma equivocada). Charlotte también habla por teléfono en una ocasión y el resultado es muy parecido, ya sea por la diferencia horaria o por cuestiones más personales, cuando cuelga se siente más sola aún, después de una intrascendente charla.

Charlotte y Bob ya se conocen, están aburridos, se caen bien y van a probar el sabor de la noche japonesa. En la larga secuencia que viene a continuación, y que consiste básicamente en ver cómo se divierten los dos protagonistas, se alternan momentos inspirados con otros más prescindibles, y estoy seguro que es la parte en la que muchos de sus detractores resoplan y niegan con la cabeza, deseando que se acabe la película cuanto antes. Es un tramo de equilibro delicado, que quizá dura demasiado, pero en todo caso es necesario, imprescindible, ya que por primera vez vemos a Charlotte y Bob felices, pasándoselo realmente bien. De aquí nos podríamos quedar con la famosa escena del karaoke, con una seductora Johansson y un (de nuevo) divertido Murray, pero personalmente me gusta más lo que sucede justo después, cuando Charlotte apoya la cabeza sobre el hombro de Bob, y se quedan en silencio, simplemente estando juntos.

Poco a poco, mirada a mirada, risa a risa, la joven Charlotte y el veterano Bob van intimando, se van conociendo y gustando, necesitando como el aire la compañía del otro. Hay una extraordinaria química entre los dos actores que se mantiene durante toda la película, haciendo posible que nos creamos su relación, que llega a la cima en la no menos famosa escena de la cama. Como explica Murray en uno de los extras del DVD, cuando los protagonistas de las películas llegan a la cama, suelen pasar dos cosas: sexo o discusión. Coppola no elige ninguno de los dos caminos y nos regala una conversación memorable entre los dos personajes, que desnudan su alma frente a la pantalla (la manera en la que Bob cuenta cómo es la paternidad parece tan verdadera que deja la piel de gallina). Al parecer, tardaron bastante en rodar el que es uno de los momentos más bellos de la película, coronado por esa leve caricia de Bob en el pie de Charlotte. La única vez que se quedan dormidos.

No podemos hablar de ‘Lost in Translation’ sin comentar el desenlace. La película acaba de forma coherente, sin concesiones, sin un happy end, del mismo modo que terminan otras preciosas e imposibles historias de amor narradas previamente en la pantalla (‘Breve encuentro’ de David Lean, ‘Los puentes de Madison’ de Clint Eastwood o ‘Deseando amar’ de Wong Kar-wai). Aquí es donde Coppola o los actores podrían haberla pifiado, muy fácilmente, pero todo queda narrado con la misma naturalidad y elegancia que ha caracterizado el resto de la película, y asistimos a unos de los finales más tristes, dolorosos y hermosos de los últimos años. De toda la poderosa secuencia final me quedo con dos momentos muy concretos: el primero, que me impacta de forma increíble, es la mirada que se le queda a Bob cuando se despide de Charlotte, cuando se da cuenta de que no hay marcha atrás, que la pierde para siempre; la segunda gran imagen es la de los ojos llorosos de la chica, abrazada a Bob, solos en medio de una ciudad atestada, escuchando una última frase que nosotros no podemos oír. Y adiós.

¡Ojo Spoiler! Creo recordar que en la versión doblada al español se escucha lo que le dice Bill Murray al oído a Scarlett Johansson en la secuencia final de 'Lost in translation'. Lo curioso es, que en la versión americana, estamos ante un susurro ininteligible. Ahí es donde está la gracia, y entiendo el motivo por el que Sofia Coppola no quiso dejarlo claro: dejar a los espectadores pensando con lo que le habrá dicho el personaje de Bill Murray. Un final que en la mayoría de los casos entenderíamos como una despedida.

¿Es correcto lo que intuíamos? ¿Hubo pifia en el doblaje? ¿Qué le dice realmente? Pues alguien ha intentado comprobarlo y ha realizado un análisis de audio.

El texto es el siguiente:

I have to be leaving... But I won't let that come between us. Ok? Ok.

Y la traducción:

Tengo que irme, pero no voy a dejar que eso se interponga entre nosotros, ¿vale? Vale.

Pensado para todos aquellos que tuvieran la curiosidad de saber qué le susurran a Scarlett al oído.

ACTUALIZACIÓN: Un lector nos deja en un comentario la traducción realizada en el doblaje en España de esta escena. Simplemente, ahora comprabais el bien que le hace el doblaje al cine. ¡Qué forma de cambiar por completo la idea de una secuencia! Como un huevo a una castaña, vamos.

Eres lo mejor que me ha pasado en mucho tiempo… No pierdas nunca esa sonrisa.

(Gracias Satis)

Vía | Kottke

Como a muchos que conozco, tu aparición en la película 'Lost in Translation' supuso una especie de flechazo. En esta cinta destilas una belleza natural y sensual a partes iguales, con una voz sugerente y una interpretación ajustada, inspirada (pocas veces una mirada podía comunicar tanto), que da la réplica perfecta a Bill Murray. Tu papel de Charlotte, me ha supuesto un antes y un después. Me enamoré. Tu susurrante voz, tu poderosa mirada y tu cautivadora sonrisa me impactaron. Quise conocerte. Quería ver todas tus películas y esperaba tu siguiente aparición con impaciencia.

Desde entonces te convertiste en una estrella mediática. Tanto, que tu imagen es difícil esquivarla por cualquier sitio: revistas, publicidad... y ahora hasta escuchando música (tu disco es para escuchar en la intimidad y no para gritar en un macroconcierto). Una explosiva rubia, que explota su imagen de joven atractiva, seductora y con pronunciadas curvas. No es tu faceta de modelo ni de mujer endiosada y venerada la que más me gusta. Eso de verte encabezando listas de las féminas más sexys del planeta no te hace mérito, te convierte más en un icono femenino para muchos hombres, pero sigo prefiriendo a la Scarlett que sonríe y derrite con su mirada en el cine. Me sigo quedando con tu atractivo en la gran pantalla. Desde 'Los in Translation' tu fama te ha convertido en una de las actrices más admiradas y aclamadas, y sabes jugar a la perfección ese papel. Te mueves con soltura en la alfombra roja y compartes plano con otras grandes estrellas con una tremenda soltura. Pareces concebida para ser lo que eres. Para ser una mujer admirada, atractiva, inteligente y multifacética.

Pero claro, echando la vista atrás, se puede apreciar, como a tus tan sólo 24 años, ya posees una carrera cinematográfica muy dilatada. Desde aquella niña que aparecía en papeles de películas independientes ('Un muchacho llamado Norte', de Rob Reiner), hasta convertirte en el fetiche de cineastas "indie", pero tu apuntabas alto y también te dejaste caer en grandes producciones junto a imponentes actores (con Sean Connery en 'Causa Justa'), todo un camino hacia el reconocimiento ('Manny & Lo') que Robert Redford supo otorgarte ('El hombre que susurraba a los caballos'), alabando la precocidad de tu madurez. Y dejaste atrás a la niña que convertirte en una interesante adolescente que daba el salto cualitativo para ganar el protagonismo a base de trabajo (y títulos olvidables) llevado a cabo.

Después de tu papel de Charlotte pasaste a formar parte de la terna de actrices contemporáneas que reivindican su lugar en el olimpo de Hollywood, pero sin perder la autenticidad de alguien que sabe seducirte tanto por una incuestionable atracción física como por una inteligencia poco común en el tópico de mujer rubia y sexy. Todo ese potencial fue pescado por Woody Allen que te convirtió en su musa. El prolífico y obsesivo neoyorkino te adoptó como ángel inspirador en la inteligente 'Match Point', en la algo más floja 'Scoop' y pronto te podremos ver en la (según parece divertida) 'Vicky Cristina Barcelona' (¿es cierto que no has acudido a Cannes porque te obligaban a compartir hotel y peluquero con Penélope Cruz? porque yo no me lo termino de creer).

"Tiene talento, tiene belleza, lo tiene todo".

Es lo que ha dicho de tí Woody Allen, uno de los artífices de tu alzamiento al estrellato y que no ha escatimado en elogios en ningún momento. Afirma que eres una actriz que ilumina y transmite energía cuando apareces, logrando acaparar la atención de inmediato. No puedo estar más de acuerdo. Y eso que no he tenido el privilegio de compartir un espacio próximo, ni siquiera como estrella-fan embobado (ya llegará).

"No sabes muy bien qué hay detrás de sus ojos".

Comentó Brian de Palma acerca de tu poder de atracción. Y en otra ocasión Laurence Fishburne te preguntó si preferías ser actriz o estrella. Tu respondiste que las dos cosas. Eso es tenerlo claro. Christopher Nolan afirmó que "se protege tras cierta ambigüedad" y más recientemente Natalie Portman quedó fascinada tanto en el rodaje como la posterior promoción de vuestra película juntas. Todo ello viene a demostrar que posees algo más que una cara bonita.

Sin embargo, no puedo dejar de reprocharte que cayeras en las garras del más puro cine comercial con 'La Isla' de Michael Bay, donde pusiste tu halo de estrella al servicio del espectáculo. Así como otras apariciones menos sustanciosas como en 'The Prestige'. Pero es comprensible. Tu poderío también se tiene que rendir al gran espectáculo de la industria en Hollywood, y dejar tu impronta hasta en un blockbuster (para eso también te has dejado la piel en cintas que ya nadie recuerda).

Y ahora me relamo con las primeras imágenes tuyas en 'The Spirit', a las órdenes de Frank Miller, donde tu sexy mirada enfundada en cuero será capaz de convertir en realidad el sueño fetichista de más de uno (y una).

Nunca dejes que tu faceta de portada de revista o tu sonrisa en la alfombra roja eclipse tu verdadero poder de atracción y seducción en el cine. Me sigue gustando más la Scarlett que veo en la gran pantalla.

Besos.

Un fan.

En Blog de Cine | Scarlett Johansson

Scarlett Johansson es muy guapa, para qué vamos a engañarnos. No es el suyo un rostro fácil o típico, más bien al contrario. Hay quien dice que no es guapa, sino que resulta tremendamente atractiva a cámara. Pero además de guapa, es una mujer, y ella lo sabe muy bien, de explosiva sensualidad, que ha sabido explotar en algunas películas y en muchísimos actos públicos, a los que acude a veces resaltando su voluptuoso cuerpo, y casi siempre con un vestuario que le otorga algunos años más de los que verdaderamente tiene.

Estas dos características pueden fluctuar dependiendo de la película o el momento en que la retraten las cámaras, pero hay un consenso generalizado. Y creo que ahora mismo, son las únicas razones que justifican la gran fama mundial de una actriz que, en mi opinión, lleva demasiados años viviendo de las rentas. Sí, es cierto, no hay muchos papeles femeninos importantes en el cine, pero si ella no los consigue, no creo que haya muchas más que lo puedan hacer. ¿Qué fue de la virtuosa joven de mirada de ángel que nos subyugó a finales de los años noventa?

De Niña Actriz a Diva Erótica

Scarlett siempre supo que quería ser actriz. Dicen que desde los tres años, para asombro de sus amorosos padres. Y consiguió debutar profesionalmente a la temprana edad de ocho años. Pero fue en el teatro, y ella lo que quería era convertirse en una estrella de cine. A los nueve años llegó su primera película, dirigida por Rob Reiner, ‘North’, y la cosa fue bien a pesar de su temprana edad, pero durante algunos años tuvo que aceptar prácticamente cualquier cosa. A fin de cuentas era una niña actriz. Sin embargo tuvo la suerte de que un señor llamado Robert Redford se fijara en ella para un importantísimo papel en su quinta película como director.

‘El hombre que susurraba a los caballos’ no sólo es la mejor película de Robert Redford, sino que es una gran película. Y en ella Scarlett Johansson, con 14 años, borda la primera de las tres mejores interpretaciones de su ya larga carrera. Que con esa edad, y con tan poca experiencia, fuera capaz de sostenerse, de tú a tú, con el veterano Redford y con la maravillosa Kristin Scott Thomas, es una hazaña que quizá a simple vista no lo parezca. Pero más allá de eso, creo que la mejor de ese doloroso triángulo es precisamente Johansson, que sin apenas interpretar, tan solo con su mirada y su presencia, enamora al espectador.

A continuación pudo participar, en 2001, en sendas películas independientes, la absurda ‘El hombre que nunca estuvo allí’ y la irreverente y tierna ‘Ghost World’, aunque no había nada en esos pequeños papeles que aportaran algo a su carrera. Pero el 2003 iba a ser su año. En él verían la luz ‘Lost in Translation’ y ‘La joven de la perla’. Ese fue el inicio de su madurez como actriz, ya convertida en una bella muchacha de 18 años de enigmático rostro. La segunda era una preciosa pieza de época que explotaba el rostro casi mudo y anhelante de una etérea Johansson, en un papel perfecto para ella.

Pero, como habrá supuesto el lector, la de ‘Lost in Translation’ me parece la segunda de sus tres grandes interpretaciones. Se trataba de una aventura emocional de tremenda elegancia que buceaba en las posibilidades de un amor apasionado…pero casto, entre un hombre maduro y una jovencita. Un papel nada fácil, por mucho que se empeñen los numerosos detractores de esta cinta. En esta película Johansson era un dechado de belleza, de verdad, de sinceridad, de dulzura. Incluso aquellos a los que les gustó la película elogiaban su arrolladora, pero delicada, presencia.

Y finalmente, tras un año, 2004, repleto de proyectos intrascendentes, llegó en 2005 la mejor película que Woody Allen había dirigido en diez años, la magnífica ‘Match Point’, para la que Johansson interpretó un maravilloso papel, que iba a exigir de toda su habilidad. Y salió triunfante con creces. En este intenso relato de sexo y crimen, formaba una pareja explosiva con Jonathan Rhys Meyers. Ambos forman una de las parejas más apasionantes del cine moderno.

Con estas tres interpretaciones (de niña herida, de adolescente desorientada y de muchacha perdedora pero sensual), Johansson había demostrado talento y versatilidad, justo lo que le está faltando desde entonces. Además, hacían olvidar las pobres elecciones entre ellas. Ahora bien, el rápido aprendizaje como diva mundial ha ido acompañado de un rápido declive en la elección de sus papeles. Hablando en plata, la preciosa niña se ha convertido en una estrella mundial y en una diva erótica, y ha descuidado completamente su carrera.

Un rápido declive

Digamos que ya no es una niña, y tres papeles buenos entre dos docenas largas de trabajos no sostienen una carrera que se anunciaba tremendamente interesante. Desde ‘Match Point’, esta sensual actriz se ha estancado completamente. Sus dos siguientes papeles con Allen, no son sólo inferiores al primero, sino que está horrible (y muy poco atractiva en ambas, todo sea dicho). En ‘Scoop’ se limita a imitar al anciano director, y en ‘Vicky Cristina Barcelona’ está literalmente espantosa, muy poco creíble y sin la menor chispa.

Tampoco dos papeles que debieron ser importantes le han reportado nada. En la extraña ‘La dalia negra’ se limita a lucir tipazo. Exactamente igual que en la también extraña ‘The Prestige’. De pronto, una promesa del cine independiente, una actriz brillante, se convertía en una mera tía buena sin frase, en otra rubia en papeles postizos. No, sólo podía ser un espejismo. Pero después han llegado ‘The Spirit’ y ‘Las hermanas Bolena’, en las que confirmó que, si se empeñaba, era definitivamente una mala actriz. Eso sí, en ambas sale guapísima.

¿Y el futuro? Suena prometedor: ...será la Viuda Negra en ‘Iron Man 2’ (cuya primera parte aún no comprendo cómo hay gente que la considera una buena película). Es decir, otro papel para lucir tipazo, engrosar su cuenta corriente, y jugar a ser estrella de cine, y que pongan su foto en revistas y blogs para ganar ventas y lecturas. Sin embargo, lo que algunos queremos, es que vuelva esa maravillosa actriz que nos enamoró hace años. Todavía no es tarde. A fin de cuentas…¡sólo tiene 25 años! No será tan díficil…digo yo…

"Nunca volvamos aquí otra vez, porque nunca volverá a ser tan divertido". Charlotte

'Lost in Translation' es uno de esos raros títulos que dividen a los aficionados al cine; están los que lo odian y estamos los que lo adoramos. Y no es difícil averiguar el porqué. No es ésta una película asequible, de fácil consumo. Incluso, podría decirse que durante gran parte de su metraje no ocurre nada (al menos, nada concreto, visible). Sofia Coppola nos sumerge, a su manera, en el breve y desesperado encuentro entre dos individuos perdidos en un lugar extranjero; no saben quiénes son ni qué están haciendo, pero siguen adelante; la realizadora sitúa la cámara frente a estos personajes sin pedirles que hagan nada especial, para que los observemos y los comprendamos tal como son, en escenas íntimas, para que respiremos su mismo aire, sintamos su misma soledad y desorientación. Esto evidentemente es lo que molesta a sus detractores. Creen que falta más movimiento, más velocidad, una historia más definida, sin tanto espacio ni silencio. Pero precisamente ahí es donde reside su encanto.

Fui a ver 'Lost in Translation' cuando se estrenó, la volví a ver en DVD y más tarde en televisión; las tres veces me quedé con la misma sensación, y la disfruté del mismo modo, aunque las circunstancias del visionado no eran las mismas, ni yo tampoco. Hace una semana, pensando en una lista de las mejores películas que he visto en esta década, llegué a más o menos una veintena de títulos, y dudé sobre si incluir o no la película más popular de la hija de Francis Ford Coppola. Así que le quité el plástico a la edición metálica que compré unos meses atrás (a un precio ridículo) y volví a verla. De nuevo llegué a la misma conclusión; es una película de momentos, un conjunto débil que se mantiene en pie de forma increíble gracias a un puñado de grandes escenas aisladas.

Evidentemente, una de las imágenes de la película es la que os he puesto arriba, el trasero de Scarlett Johansson, que aquí interpreta a Charlotte, una chica norteamericana que pasa unos días en un Hotel, mientras su marido sale a trabajar. Con las deseadas nalgas de la joven estrella se inicia 'Lost in Translation' (2003); es el primer plano que vemos, y sobre él aparece el título, mientras la pantalla funde a negro. En off se oye una voz que nos da la bienvenida a Tokio. A continuación vemos las calles de la capital japonesa, iluminando la noche, a través de los cansados ojos de Bob Harris, un actor famoso que acaba de llegar desde Estados Unidos para rodar unos anuncios de televisión. Le da vida un genial Bill Murray.

Tras una serie de repetitivas postales, que no hacen más que recalcar lo sola que está Charlotte (Johansson nunca ha estado tan guapa, irresistible, como lo está aquí) y lo desubicado que está Bob, llegamos a la que es una de las escenas más recordadas de la película, el "momento Suntory". La situación está bien escrita, pero sin Murray no sería ni la mitad de divertida, su reacción es fundamental. Más adelante tendremos una escena muy parecida, e igualmente desternillante, durante una sesión de fotos en la que el actor debe poner mil caras diferentes mientras se supone que bebe el whiskey que está anunciando. Esta parte podría resultar redundante, de no ser porque en ella asistimos de una forma más clara y rotunda al declive artístico del protagonista. Es cuando le vemos arrastrarse por dinero, respondiendo a las cada vez más absurdas peticiones del fotógrafo como si fuera un mono de circo.

Bob pasa por el aro porque simplemente se deja llevar, ha perdido la ilusión y necesita mantener su lujosa forma de vida. Pero Coppola nos presenta a una chica que es una atracción de feria por propia naturaleza, como si fuera un sueño hecho realidad. En otra de las mejores escenas de la película conocemos a Kelly, a quien encarna Anna Faris de forma tan perfecta que parece que realmente ella fuera así (cosa que no parece probable, lo mismo que el trato de Giovanni Ribisi con Johansson, a quien no besa nada más que para despedirse). La estupidez supina de la chica, que a mí no sé por qué me recuerda a Britney Spears, se pone aún más de manifiesto en un momento posterior, cuando están cenando en el restaurante del hotel y les explica que su padre es anoréxico, porque en Vietnam le envenenaban la comida. De nuevo, podría verse esta escena como algo repetitivo, innecesario, pero aparte de que la anécdota es memorable, sirve como preludio al primer encuentro entre Charlotte y Bob, que no la pierde de vista, desde la barra.

Aunque ya se han visto en el ascensor (ella dice que no se acuerda), por fin nuestros dos protagonistas se acercan y mantienen una primera conversación amistosa. Charlotte le pregunta qué hace en Tokio, y Bob responde sinceramente que ha viajado para ganar millones de dólares con un anuncio, en lugar de rodar alguna película; de pasada, nos da otra pincelada de su anodina vida privada, cuando confiesa haberse perdido el cumpleaños de su hijo. Durante la película, Bob mantiene contacto con su mujer a través del teléfono o del fax, gracias a lo cual entendemos que ella está más preocupada por el color de la moqueta (otro momento muy divertido) que de lo que siente su marido, que en todo caso intenta arreglar las cosas demasiado tarde (y de forma equivocada). Charlotte también habla por teléfono en una ocasión y el resultado es muy parecido, ya sea por la diferencia horaria o por cuestiones más personales, cuando cuelga se siente más sola aún, después de una intrascendente charla.

Charlotte y Bob ya se conocen, están aburridos, se caen bien y van a probar el sabor de la noche japonesa. En la larga secuencia que viene a continuación, y que consiste básicamente en ver cómo se divierten los dos protagonistas, se alternan momentos inspirados con otros más prescindibles, y estoy seguro que es la parte en la que muchos de sus detractores resoplan y niegan con la cabeza, deseando que se acabe la película cuanto antes. Es un tramo de equilibro delicado, que quizá dura demasiado, pero en todo caso es necesario, imprescindible, ya que por primera vez vemos a Charlotte y Bob felices, pasándoselo realmente bien. De aquí nos podríamos quedar con la famosa escena del karaoke, con una seductora Johansson y un (de nuevo) divertido Murray, pero personalmente me gusta más lo que sucede justo después, cuando Charlotte apoya la cabeza sobre el hombro de Bob, y se quedan en silencio, simplemente estando juntos.

Poco a poco, mirada a mirada, risa a risa, la joven Charlotte y el veterano Bob van intimando, se van conociendo y gustando, necesitando como el aire la compañía del otro. Hay una extraordinaria química entre los dos actores que se mantiene durante toda la película, haciendo posible que nos creamos su relación, que llega a la cima en la no menos famosa escena de la cama. Como explica Murray en uno de los extras del DVD, cuando los protagonistas de las películas llegan a la cama, suelen pasar dos cosas: sexo o discusión. Coppola no elige ninguno de los dos caminos y nos regala una conversación memorable entre los dos personajes, que desnudan su alma frente a la pantalla (la manera en la que Bob cuenta cómo es la paternidad parece tan verdadera que deja la piel de gallina). Al parecer, tardaron bastante en rodar el que es uno de los momentos más bellos de la película, coronado por esa leve caricia de Bob en el pie de Charlotte. La única vez que se quedan dormidos.

No podemos hablar de 'Lost in Translation' sin comentar el desenlace. La película acaba de forma coherente, sin concesiones, sin un happy end, del mismo modo que terminan otras preciosas e imposibles historias de amor narradas previamente en la pantalla ('Breve encuentro' de David Lean, 'Los puentes de Madison' de Clint Eastwood o 'Deseando amar' de Wong Kar-wai). Aquí es donde Coppola o los actores podrían haberla pifiado, muy fácilmente, pero todo queda narrado con la misma naturalidad y elegancia que ha caracterizado el resto de la película, y asistimos a unos de los finales más tristes, dolorosos y hermosos de los últimos años. De toda la poderosa secuencia final me quedo con dos momentos muy concretos: el primero, que me impacta de forma increíble, es la mirada que se le queda a Bob cuando se despide de Charlotte, cuando se da cuenta de que no hay marcha atrás, que la pierde para siempre; la segunda gran imagen es la de los ojos llorosos de la chica, abrazada a Bob, solos en medio de una ciudad atestada, escuchando una última frase que nosotros no podemos oír. Y adiós.

Nacho Vigalondo ya dio un importante paso en su carrera con 'Open Windows', pero será con 'Colossal' cuando tenga su oportunidad definitiva para asentarse en el mercado internacional. ¿El motivo? Pues que acaba de confirmarse que la protagonista de esta película descrita como un cruce entre 'Godzilla' y 'Lost in Translation' va a ser Anne Hathaway.

Seguro que esa extraña mezcla os ha llamado la atención y la cuestión es que es bastante certera si tenemos en cuenta su argumento: Gloria decide volver a su ciudad natal tras perder a su trabajo y a su prometido, pero todo se complica cuando un lagarto gigante está destrozando Tokio, ya que descubre que está conectada con esos sucesos a través de un poder de su mente. Gloria tendrá que averiguar a qué se debe para evitar que la oleada de destrucción siga adelante.

Como ya es habitual en él, el propio Vigalondo ha escrito también un guión que ha calificado como su obra más ambiciosa hasta la fecha, pero también ha incidido en que probablemente sea también la más personal. 'Colossal' ha llamado la atención de Voltage Pictures, compañía que financiará por completo una película cuyo presupuesto se desconoce por ahora.

Vía | Hollywood Reporter

Una de las tareas más fascinantes que puede tener un actor en una película es tener que interpretar a otro actor, sobre todo en las escenas en las que además tiene que transmitir la ilusión de encima estar dando vida a otro personaje distinto. Un recurso meta que ha dado pie a infinidad de momentos inolvidables en la gran -y también en la pequeña- pantalla que Phil Whitehead ha recopilado en un vídeo imprescindible que protagoniza esta nueva entrega de la imagen de la semana en Blogdecine.

Como ya habréis adivinado por la imagen de más arriba, 'Birdman' es una de las películas que protagonizan el montaje, pero en este estupendo repaso de las mejores escenas de actores dando vida a otros actores mientras interpretan a otros personajes hay espacio para otras muchas como 'Man on the Moon', 'Boogie Nights', 'Ed Wood', 'Cantando Bajo La Lluvia' (Singin’ in the Rain), 'El Show de Truman' (The Truman Show), 'Lost in Translation' o 'Eva al Desnudo' (All About Eve). Os dejo ya con el vídeo.

¿Qué "dice" el silencio? A partir de esta poética pregunta, David Verdeure ha realizado un montaje de escenas donde se expresan ideas, emociones y sentimientos sin que sus personajes tengan que hablar. Dependiendo de la película, la intención y el momento, un silencio (o una conversación ininteligible) puede adquirir muy diversos significados, tal como demuestra el excelente vídeo que traigo en este post.

La pieza (de sólo 5 minutos) nos recuerda que, al margen de cuestiones estéticas, los cineastas pueden recurrir a una poderosa herramienta: nuestra necesidad de entender lo que vemos, sin importar el lenguaje. Durante las décadas de cine mudo, los narradores tuvieron que agudizar su ingenio para comunicarse con el público, pero con la llegada del sonoro parece que todas esas valiosas lecciones han dejado de ser tenidas en cuenta, recurriéndose a lo fácil, a un abuso de explicaciones. A menudo se olvida que una imagen puede valer más que mil palabras...

Las 15 películas incluidas en el vídeo son:

• Matrix (The Matrix), dir. Lana Wachowski & Lilly Wachowski. USA, 1999.
• El padrino. Parte III (The Godfather: Part III), dir. Francis Ford Coppola. USA, 1990.
• Mi tío (Mon Oncle), dir. Jacques Tati. Francia, 1958.
• 2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey), dir. Stanley Kubrick. UK / USA, 1968.
• Lost in Translation, dir. Sofia Coppola. USA, 2003.
• La ley del silencio (On the Waterfront), dir., Elia Kazan. USA, 1954.
• El graduado (The Graduate), dir. Mike Nichols. USA, 1967.
• La soledad del corredor de fondo (The Loneliness of the Long Distance Runner), dir. Tony Richardson. UK, 1962.
• Con la muerte en los talones (North by Northwest), dir. Alfred Hitchcock. USA, 1959.
• Deseando amar (In the Mood for Love), dir. Wong Kar-Wai. Hong Kong / China, 2000.
• Marte (The Martian), dir. Ridley Scott. USA, 2015.
• El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie), dir. Luis Buñuel. Francia, 1972.
• La conversación (The Conversation), dir. Francis Ford Coppola. USA, 1974.
• Twin Peaks: Fuego camina conmigo (Twin Peaks: Fire Walk with Me), dir. David Lynch. USA, 1992.
• La Dolce Vita, dir. Federico Fellini. Italia, 1960.

¿Hay alguna escena que te haya impresionado por su uso del silencio y que no aparece en el vídeo?

¡Ojo Spoiler! Creo recordar que en la versión doblada al español se escucha lo que le dice Bill Murray al oído a Scarlett Johansson en la secuencia final de 'Lost in translation'. Lo curioso es, que en la versión americana, estamos ante un susurro ininteligible. Ahí es donde está la gracia, y entiendo el motivo por el que Sofia Coppola no quiso dejarlo claro: dejar a los espectadores pensando con lo que le habrá dicho el personaje de Bill Murray. Un final que en la mayoría de los casos entenderíamos como una despedida.

¿Es correcto lo que intuíamos? ¿Hubo pifia en el doblaje? ¿Qué le dice realmente? Pues alguien ha intentado comprobarlo y ha realizado un análisis de audio.

El texto es el siguiente:

I have to be leaving... But I won't let that come between us. Ok? Ok.

Y la traducción:

Tengo que irme, pero no voy a dejar que eso se interponga entre nosotros, ¿vale? Vale.

Pensado para todos aquellos que tuvieran la curiosidad de saber qué le susurran a Scarlett al oído.

ACTUALIZACIÓN: Un lector nos deja en un comentario la traducción realizada en el doblaje en España de esta escena. Simplemente, ahora comprabais el bien que le hace el doblaje al cine. ¡Qué forma de cambiar por completo la idea de una secuencia! Como un huevo a una castaña, vamos.

Eres lo mejor que me ha pasado en mucho tiempo… No pierdas nunca esa sonrisa.

(Gracias Satis)

Vía | Kottke

Como a muchos que conozco, tu aparición en la película 'Lost in Translation' supuso una especie de flechazo. En esta cinta destilas una belleza natural y sensual a partes iguales, con una voz sugerente y una interpretación ajustada, inspirada (pocas veces una mirada podía comunicar tanto), que da la réplica perfecta a Bill Murray. Tu papel de Charlotte, me ha supuesto un antes y un después. Me enamoré. Tu susurrante voz, tu poderosa mirada y tu cautivadora sonrisa me impactaron. Quise conocerte. Quería ver todas tus películas y esperaba tu siguiente aparición con impaciencia.

Desde entonces te convertiste en una estrella mediática. Tanto, que tu imagen es difícil esquivarla por cualquier sitio: revistas, publicidad... y ahora hasta escuchando música (tu disco es para escuchar en la intimidad y no para gritar en un macroconcierto). Una explosiva rubia, que explota su imagen de joven atractiva, seductora y con pronunciadas curvas. No es tu faceta de modelo ni de mujer endiosada y venerada la que más me gusta. Eso de verte encabezando listas de las féminas más sexys del planeta no te hace mérito, te convierte más en un icono femenino para muchos hombres, pero sigo prefiriendo a la Scarlett que sonríe y derrite con su mirada en el cine. Me sigo quedando con tu atractivo en la gran pantalla. Desde 'Los in Translation' tu fama te ha convertido en una de las actrices más admiradas y aclamadas, y sabes jugar a la perfección ese papel. Te mueves con soltura en la alfombra roja y compartes plano con otras grandes estrellas con una tremenda soltura. Pareces concebida para ser lo que eres. Para ser una mujer admirada, atractiva, inteligente y multifacética.

Pero claro, echando la vista atrás, se puede apreciar, como a tus tan sólo 24 años, ya posees una carrera cinematográfica muy dilatada. Desde aquella niña que aparecía en papeles de películas independientes ('Un muchacho llamado Norte', de Rob Reiner), hasta convertirte en el fetiche de cineastas "indie", pero tu apuntabas alto y también te dejaste caer en grandes producciones junto a imponentes actores (con Sean Connery en 'Causa Justa'), todo un camino hacia el reconocimiento ('Manny & Lo') que Robert Redford supo otorgarte ('El hombre que susurraba a los caballos'), alabando la precocidad de tu madurez. Y dejaste atrás a la niña que convertirte en una interesante adolescente que daba el salto cualitativo para ganar el protagonismo a base de trabajo (y títulos olvidables) llevado a cabo.

Después de tu papel de Charlotte pasaste a formar parte de la terna de actrices contemporáneas que reivindican su lugar en el olimpo de Hollywood, pero sin perder la autenticidad de alguien que sabe seducirte tanto por una incuestionable atracción física como por una inteligencia poco común en el tópico de mujer rubia y sexy. Todo ese potencial fue pescado por Woody Allen que te convirtió en su musa. El prolífico y obsesivo neoyorkino te adoptó como ángel inspirador en la inteligente 'Match Point', en la algo más floja 'Scoop' y pronto te podremos ver en la (según parece divertida) 'Vicky Cristina Barcelona' (¿es cierto que no has acudido a Cannes porque te obligaban a compartir hotel y peluquero con Penélope Cruz? porque yo no me lo termino de creer).

"Tiene talento, tiene belleza, lo tiene todo".

Es lo que ha dicho de tí Woody Allen, uno de los artífices de tu alzamiento al estrellato y que no ha escatimado en elogios en ningún momento. Afirma que eres una actriz que ilumina y transmite energía cuando apareces, logrando acaparar la atención de inmediato. No puedo estar más de acuerdo. Y eso que no he tenido el privilegio de compartir un espacio próximo, ni siquiera como estrella-fan embobado (ya llegará).

"No sabes muy bien qué hay detrás de sus ojos".

Comentó Brian de Palma acerca de tu poder de atracción. Y en otra ocasión Laurence Fishburne te preguntó si preferías ser actriz o estrella. Tu respondiste que las dos cosas. Eso es tenerlo claro. Christopher Nolan afirmó que "se protege tras cierta ambigüedad" y más recientemente Natalie Portman quedó fascinada tanto en el rodaje como la posterior promoción de vuestra película juntas. Todo ello viene a demostrar que posees algo más que una cara bonita.

Sin embargo, no puedo dejar de reprocharte que cayeras en las garras del más puro cine comercial con 'La Isla' de Michael Bay, donde pusiste tu halo de estrella al servicio del espectáculo. Así como otras apariciones menos sustanciosas como en 'The Prestige'. Pero es comprensible. Tu poderío también se tiene que rendir al gran espectáculo de la industria en Hollywood, y dejar tu impronta hasta en un blockbuster (para eso también te has dejado la piel en cintas que ya nadie recuerda).

Y ahora me relamo con las primeras imágenes tuyas en 'The Spirit', a las órdenes de Frank Miller, donde tu sexy mirada enfundada en cuero será capaz de convertir en realidad el sueño fetichista de más de uno (y una).

Nunca dejes que tu faceta de portada de revista o tu sonrisa en la alfombra roja eclipse tu verdadero poder de atracción y seducción en el cine. Me sigue gustando más la Scarlett que veo en la gran pantalla.

Besos.

Un fan.

En Blog de Cine | Scarlett Johansson

Scarlett Johansson es muy guapa, para qué vamos a engañarnos. No es el suyo un rostro fácil o típico, más bien al contrario. Hay quien dice que no es guapa, sino que resulta tremendamente atractiva a cámara. Pero además de guapa, es una mujer, y ella lo sabe muy bien, de explosiva sensualidad, que ha sabido explotar en algunas películas y en muchísimos actos públicos, a los que acude a veces resaltando su voluptuoso cuerpo, y casi siempre con un vestuario que le otorga algunos años más de los que verdaderamente tiene.

Estas dos características pueden fluctuar dependiendo de la película o el momento en que la retraten las cámaras, pero hay un consenso generalizado. Y creo que ahora mismo, son las únicas razones que justifican la gran fama mundial de una actriz que, en mi opinión, lleva demasiados años viviendo de las rentas. Sí, es cierto, no hay muchos papeles femeninos importantes en el cine, pero si ella no los consigue, no creo que haya muchas más que lo puedan hacer. ¿Qué fue de la virtuosa joven de mirada de ángel que nos subyugó a finales de los años noventa?

De Niña Actriz a Diva Erótica

Scarlett siempre supo que quería ser actriz. Dicen que desde los tres años, para asombro de sus amorosos padres. Y consiguió debutar profesionalmente a la temprana edad de ocho años. Pero fue en el teatro, y ella lo que quería era convertirse en una estrella de cine. A los nueve años llegó su primera película, dirigida por Rob Reiner, ‘North’, y la cosa fue bien a pesar de su temprana edad, pero durante algunos años tuvo que aceptar prácticamente cualquier cosa. A fin de cuentas era una niña actriz. Sin embargo tuvo la suerte de que un señor llamado Robert Redford se fijara en ella para un importantísimo papel en su quinta película como director.

‘El hombre que susurraba a los caballos’ no sólo es la mejor película de Robert Redford, sino que es una gran película. Y en ella Scarlett Johansson, con 14 años, borda la primera de las tres mejores interpretaciones de su ya larga carrera. Que con esa edad, y con tan poca experiencia, fuera capaz de sostenerse, de tú a tú, con el veterano Redford y con la maravillosa Kristin Scott Thomas, es una hazaña que quizá a simple vista no lo parezca. Pero más allá de eso, creo que la mejor de ese doloroso triángulo es precisamente Johansson, que sin apenas interpretar, tan solo con su mirada y su presencia, enamora al espectador.

A continuación pudo participar, en 2001, en sendas películas independientes, la absurda ‘El hombre que nunca estuvo allí’ y la irreverente y tierna ‘Ghost World’, aunque no había nada en esos pequeños papeles que aportaran algo a su carrera. Pero el 2003 iba a ser su año. En él verían la luz ‘Lost in Translation’ y ‘La joven de la perla’. Ese fue el inicio de su madurez como actriz, ya convertida en una bella muchacha de 18 años de enigmático rostro. La segunda era una preciosa pieza de época que explotaba el rostro casi mudo y anhelante de una etérea Johansson, en un papel perfecto para ella.

Pero, como habrá supuesto el lector, la de ‘Lost in Translation’ me parece la segunda de sus tres grandes interpretaciones. Se trataba de una aventura emocional de tremenda elegancia que buceaba en las posibilidades de un amor apasionado…pero casto, entre un hombre maduro y una jovencita. Un papel nada fácil, por mucho que se empeñen los numerosos detractores de esta cinta. En esta película Johansson era un dechado de belleza, de verdad, de sinceridad, de dulzura. Incluso aquellos a los que les gustó la película elogiaban su arrolladora, pero delicada, presencia.

Y finalmente, tras un año, 2004, repleto de proyectos intrascendentes, llegó en 2005 la mejor película que Woody Allen había dirigido en diez años, la magnífica ‘Match Point’, para la que Johansson interpretó un maravilloso papel, que iba a exigir de toda su habilidad. Y salió triunfante con creces. En este intenso relato de sexo y crimen, formaba una pareja explosiva con Jonathan Rhys Meyers. Ambos forman una de las parejas más apasionantes del cine moderno.

Con estas tres interpretaciones (de niña herida, de adolescente desorientada y de muchacha perdedora pero sensual), Johansson había demostrado talento y versatilidad, justo lo que le está faltando desde entonces. Además, hacían olvidar las pobres elecciones entre ellas. Ahora bien, el rápido aprendizaje como diva mundial ha ido acompañado de un rápido declive en la elección de sus papeles. Hablando en plata, la preciosa niña se ha convertido en una estrella mundial y en una diva erótica, y ha descuidado completamente su carrera.

Un rápido declive

Digamos que ya no es una niña, y tres papeles buenos entre dos docenas largas de trabajos no sostienen una carrera que se anunciaba tremendamente interesante. Desde ‘Match Point’, esta sensual actriz se ha estancado completamente. Sus dos siguientes papeles con Allen, no son sólo inferiores al primero, sino que está horrible (y muy poco atractiva en ambas, todo sea dicho). En ‘Scoop’ se limita a imitar al anciano director, y en ‘Vicky Cristina Barcelona’ está literalmente espantosa, muy poco creíble y sin la menor chispa.

Tampoco dos papeles que debieron ser importantes le han reportado nada. En la extraña ‘La dalia negra’ se limita a lucir tipazo. Exactamente igual que en la también extraña ‘The Prestige’. De pronto, una promesa del cine independiente, una actriz brillante, se convertía en una mera tía buena sin frase, en otra rubia en papeles postizos. No, sólo podía ser un espejismo. Pero después han llegado ‘The Spirit’ y ‘Las hermanas Bolena’, en las que confirmó que, si se empeñaba, era definitivamente una mala actriz. Eso sí, en ambas sale guapísima.

¿Y el futuro? Suena prometedor: ...será la Viuda Negra en ‘Iron Man 2’ (cuya primera parte aún no comprendo cómo hay gente que la considera una buena película). Es decir, otro papel para lucir tipazo, engrosar su cuenta corriente, y jugar a ser estrella de cine, y que pongan su foto en revistas y blogs para ganar ventas y lecturas. Sin embargo, lo que algunos queremos, es que vuelva esa maravillosa actriz que nos enamoró hace años. Todavía no es tarde. A fin de cuentas…¡sólo tiene 25 años! No será tan díficil…digo yo…

"Nunca volvamos aquí otra vez, porque nunca volverá a ser tan divertido". Charlotte

'Lost in Translation' es uno de esos raros títulos que dividen a los aficionados al cine; están los que lo odian y estamos los que lo adoramos. Y no es difícil averiguar el porqué. No es ésta una película asequible, de fácil consumo. Incluso, podría decirse que durante gran parte de su metraje no ocurre nada (al menos, nada concreto, visible). Sofia Coppola nos sumerge, a su manera, en el breve y desesperado encuentro entre dos individuos perdidos en un lugar extranjero; no saben quiénes son ni qué están haciendo, pero siguen adelante; la realizadora sitúa la cámara frente a estos personajes sin pedirles que hagan nada especial, para que los observemos y los comprendamos tal como son, en escenas íntimas, para que respiremos su mismo aire, sintamos su misma soledad y desorientación. Esto evidentemente es lo que molesta a sus detractores. Creen que falta más movimiento, más velocidad, una historia más definida, sin tanto espacio ni silencio. Pero precisamente ahí es donde reside su encanto.

Fui a ver 'Lost in Translation' cuando se estrenó, la volví a ver en DVD y más tarde en televisión; las tres veces me quedé con la misma sensación, y la disfruté del mismo modo, aunque las circunstancias del visionado no eran las mismas, ni yo tampoco. Hace una semana, pensando en una lista de las mejores películas que he visto en esta década, llegué a más o menos una veintena de títulos, y dudé sobre si incluir o no la película más popular de la hija de Francis Ford Coppola. Así que le quité el plástico a la edición metálica que compré unos meses atrás (a un precio ridículo) y volví a verla. De nuevo llegué a la misma conclusión; es una película de momentos, un conjunto débil que se mantiene en pie de forma increíble gracias a un puñado de grandes escenas aisladas.

Evidentemente, una de las imágenes de la película es la que os he puesto arriba, el trasero de Scarlett Johansson, que aquí interpreta a Charlotte, una chica norteamericana que pasa unos días en un Hotel, mientras su marido sale a trabajar. Con las deseadas nalgas de la joven estrella se inicia 'Lost in Translation' (2003); es el primer plano que vemos, y sobre él aparece el título, mientras la pantalla funde a negro. En off se oye una voz que nos da la bienvenida a Tokio. A continuación vemos las calles de la capital japonesa, iluminando la noche, a través de los cansados ojos de Bob Harris, un actor famoso que acaba de llegar desde Estados Unidos para rodar unos anuncios de televisión. Le da vida un genial Bill Murray.

Tras una serie de repetitivas postales, que no hacen más que recalcar lo sola que está Charlotte (Johansson nunca ha estado tan guapa, irresistible, como lo está aquí) y lo desubicado que está Bob, llegamos a la que es una de las escenas más recordadas de la película, el "momento Suntory". La situación está bien escrita, pero sin Murray no sería ni la mitad de divertida, su reacción es fundamental. Más adelante tendremos una escena muy parecida, e igualmente desternillante, durante una sesión de fotos en la que el actor debe poner mil caras diferentes mientras se supone que bebe el whiskey que está anunciando. Esta parte podría resultar redundante, de no ser porque en ella asistimos de una forma más clara y rotunda al declive artístico del protagonista. Es cuando le vemos arrastrarse por dinero, respondiendo a las cada vez más absurdas peticiones del fotógrafo como si fuera un mono de circo.

Bob pasa por el aro porque simplemente se deja llevar, ha perdido la ilusión y necesita mantener su lujosa forma de vida. Pero Coppola nos presenta a una chica que es una atracción de feria por propia naturaleza, como si fuera un sueño hecho realidad. En otra de las mejores escenas de la película conocemos a Kelly, a quien encarna Anna Faris de forma tan perfecta que parece que realmente ella fuera así (cosa que no parece probable, lo mismo que el trato de Giovanni Ribisi con Johansson, a quien no besa nada más que para despedirse). La estupidez supina de la chica, que a mí no sé por qué me recuerda a Britney Spears, se pone aún más de manifiesto en un momento posterior, cuando están cenando en el restaurante del hotel y les explica que su padre es anoréxico, porque en Vietnam le envenenaban la comida. De nuevo, podría verse esta escena como algo repetitivo, innecesario, pero aparte de que la anécdota es memorable, sirve como preludio al primer encuentro entre Charlotte y Bob, que no la pierde de vista, desde la barra.

Aunque ya se han visto en el ascensor (ella dice que no se acuerda), por fin nuestros dos protagonistas se acercan y mantienen una primera conversación amistosa. Charlotte le pregunta qué hace en Tokio, y Bob responde sinceramente que ha viajado para ganar millones de dólares con un anuncio, en lugar de rodar alguna película; de pasada, nos da otra pincelada de su anodina vida privada, cuando confiesa haberse perdido el cumpleaños de su hijo. Durante la película, Bob mantiene contacto con su mujer a través del teléfono o del fax, gracias a lo cual entendemos que ella está más preocupada por el color de la moqueta (otro momento muy divertido) que de lo que siente su marido, que en todo caso intenta arreglar las cosas demasiado tarde (y de forma equivocada). Charlotte también habla por teléfono en una ocasión y el resultado es muy parecido, ya sea por la diferencia horaria o por cuestiones más personales, cuando cuelga se siente más sola aún, después de una intrascendente charla.

Charlotte y Bob ya se conocen, están aburridos, se caen bien y van a probar el sabor de la noche japonesa. En la larga secuencia que viene a continuación, y que consiste básicamente en ver cómo se divierten los dos protagonistas, se alternan momentos inspirados con otros más prescindibles, y estoy seguro que es la parte en la que muchos de sus detractores resoplan y niegan con la cabeza, deseando que se acabe la película cuanto antes. Es un tramo de equilibro delicado, que quizá dura demasiado, pero en todo caso es necesario, imprescindible, ya que por primera vez vemos a Charlotte y Bob felices, pasándoselo realmente bien. De aquí nos podríamos quedar con la famosa escena del karaoke, con una seductora Johansson y un (de nuevo) divertido Murray, pero personalmente me gusta más lo que sucede justo después, cuando Charlotte apoya la cabeza sobre el hombro de Bob, y se quedan en silencio, simplemente estando juntos.

Poco a poco, mirada a mirada, risa a risa, la joven Charlotte y el veterano Bob van intimando, se van conociendo y gustando, necesitando como el aire la compañía del otro. Hay una extraordinaria química entre los dos actores que se mantiene durante toda la película, haciendo posible que nos creamos su relación, que llega a la cima en la no menos famosa escena de la cama. Como explica Murray en uno de los extras del DVD, cuando los protagonistas de las películas llegan a la cama, suelen pasar dos cosas: sexo o discusión. Coppola no elige ninguno de los dos caminos y nos regala una conversación memorable entre los dos personajes, que desnudan su alma frente a la pantalla (la manera en la que Bob cuenta cómo es la paternidad parece tan verdadera que deja la piel de gallina). Al parecer, tardaron bastante en rodar el que es uno de los momentos más bellos de la película, coronado por esa leve caricia de Bob en el pie de Charlotte. La única vez que se quedan dormidos.

No podemos hablar de 'Lost in Translation' sin comentar el desenlace. La película acaba de forma coherente, sin concesiones, sin un happy end, del mismo modo que terminan otras preciosas e imposibles historias de amor narradas previamente en la pantalla ('Breve encuentro' de David Lean, 'Los puentes de Madison' de Clint Eastwood o 'Deseando amar' de Wong Kar-wai). Aquí es donde Coppola o los actores podrían haberla pifiado, muy fácilmente, pero todo queda narrado con la misma naturalidad y elegancia que ha caracterizado el resto de la película, y asistimos a unos de los finales más tristes, dolorosos y hermosos de los últimos años. De toda la poderosa secuencia final me quedo con dos momentos muy concretos: el primero, que me impacta de forma increíble, es la mirada que se le queda a Bob cuando se despide de Charlotte, cuando se da cuenta de que no hay marcha atrás, que la pierde para siempre; la segunda gran imagen es la de los ojos llorosos de la chica, abrazada a Bob, solos en medio de una ciudad atestada, escuchando una última frase que nosotros no podemos oír. Y adiós.

Nacho Vigalondo ya dio un importante paso en su carrera con 'Open Windows', pero será con 'Colossal' cuando tenga su oportunidad definitiva para asentarse en el mercado internacional. ¿El motivo? Pues que acaba de confirmarse que la protagonista de esta película descrita como un cruce entre 'Godzilla' y 'Lost in Translation' va a ser Anne Hathaway.

Seguro que esa extraña mezcla os ha llamado la atención y la cuestión es que es bastante certera si tenemos en cuenta su argumento: Gloria decide volver a su ciudad natal tras perder a su trabajo y a su prometido, pero todo se complica cuando un lagarto gigante está destrozando Tokio, ya que descubre que está conectada con esos sucesos a través de un poder de su mente. Gloria tendrá que averiguar a qué se debe para evitar que la oleada de destrucción siga adelante.

Como ya es habitual en él, el propio Vigalondo ha escrito también un guión que ha calificado como su obra más ambiciosa hasta la fecha, pero también ha incidido en que probablemente sea también la más personal. 'Colossal' ha llamado la atención de Voltage Pictures, compañía que financiará por completo una película cuyo presupuesto se desconoce por ahora.

Vía | Hollywood Reporter

Una de las tareas más fascinantes que puede tener un actor en una película es tener que interpretar a otro actor, sobre todo en las escenas en las que además tiene que transmitir la ilusión de encima estar dando vida a otro personaje distinto. Un recurso meta que ha dado pie a infinidad de momentos inolvidables en la gran -y también en la pequeña- pantalla que Phil Whitehead ha recopilado en un vídeo imprescindible que protagoniza esta nueva entrega de la imagen de la semana en Blogdecine.

Como ya habréis adivinado por la imagen de más arriba, 'Birdman' es una de las películas que protagonizan el montaje, pero en este estupendo repaso de las mejores escenas de actores dando vida a otros actores mientras interpretan a otros personajes hay espacio para otras muchas como 'Man on the Moon', 'Boogie Nights', 'Ed Wood', 'Cantando Bajo La Lluvia' (Singin’ in the Rain), 'El Show de Truman' (The Truman Show), 'Lost in Translation' o 'Eva al Desnudo' (All About Eve). Os dejo ya con el vídeo.

¿Qué "dice" el silencio? A partir de esta poética pregunta, David Verdeure ha realizado un montaje de escenas donde se expresan ideas, emociones y sentimientos sin que sus personajes tengan que hablar. Dependiendo de la película, la intención y el momento, un silencio (o una conversación ininteligible) puede adquirir muy diversos significados, tal como demuestra el excelente vídeo que traigo en este post.

La pieza (de sólo 5 minutos) nos recuerda que, al margen de cuestiones estéticas, los cineastas pueden recurrir a una poderosa herramienta: nuestra necesidad de entender lo que vemos, sin importar el lenguaje. Durante las décadas de cine mudo, los narradores tuvieron que agudizar su ingenio para comunicarse con el público, pero con la llegada del sonoro parece que todas esas valiosas lecciones han dejado de ser tenidas en cuenta, recurriéndose a lo fácil, a un abuso de explicaciones. A menudo se olvida que una imagen puede valer más que mil palabras...

Las 15 películas incluidas en el vídeo son:

• Matrix (The Matrix), dir. Lana Wachowski & Lilly Wachowski. USA, 1999.
• El padrino. Parte III (The Godfather: Part III), dir. Francis Ford Coppola. USA, 1990.
• Mi tío (Mon Oncle), dir. Jacques Tati. Francia, 1958.
• 2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey), dir. Stanley Kubrick. UK / USA, 1968.
• Lost in Translation, dir. Sofia Coppola. USA, 2003.
• La ley del silencio (On the Waterfront), dir., Elia Kazan. USA, 1954.
• El graduado (The Graduate), dir. Mike Nichols. USA, 1967.
• La soledad del corredor de fondo (The Loneliness of the Long Distance Runner), dir. Tony Richardson. UK, 1962.
• Con la muerte en los talones (North by Northwest), dir. Alfred Hitchcock. USA, 1959.
• Deseando amar (In the Mood for Love), dir. Wong Kar-Wai. Hong Kong / China, 2000.
• Marte (The Martian), dir. Ridley Scott. USA, 2015.
• El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie), dir. Luis Buñuel. Francia, 1972.
• La conversación (The Conversation), dir. Francis Ford Coppola. USA, 1974.
• Twin Peaks: Fuego camina conmigo (Twin Peaks: Fire Walk with Me), dir. David Lynch. USA, 1992.
• La Dolce Vita, dir. Federico Fellini. Italia, 1960.

¿Hay alguna escena que te haya impresionado por su uso del silencio y que no aparece en el vídeo?

A unos minutos de acabar el año nos ponemos las mejores galas caseras para celebrar la Nochevieja en nuestra discoteca particular en familia o quizá, en este año tan raro, comiendo las uvas confinados. Para decir adiós a este interminable 2021, elegimos 12 de las escenas más catárticas del cine reciente con las que venirse arriba en el salón de casa.

La ceniza es el blanco más puro (Ash is Purest White, 2018)

Empezamos con un brindis, como Jia Zhangke en 'La ceniza es el blanco más puro', con lo primero que tengáis a mano. La que es una de las mejores obras del cineasta chino no sólo nos dejaba perlas como este loquísimo brindis, sino que nos daba una de las mejores escenas de baile de la cinematografía china reciente, de lo más top de las escenas musicales dramáticas.

La gran belleza (La grande bellezza, 2013)

Una de las escenas de baile más memorables del cine de la última década y un inicio brutal por el que ya vale la pena el visionado. Con su estreno allá por 2013, 'La gran belleza' de Paolo Sorrentino se llevó todos los reconocimientos posibles, incluyendo el Oscar a mejor película de habla no inglesa. La enorme potencia de esta escena de macrofiesta a la italiana nos devuelve a los momentos prepandémicos más apoteósicos junto al canalla Jep Gambardella, protagonizado por la clase inconfundible de Toni Servillo.

Bergman Island (2021)

Otro de esos momentos de venirse arriba con los personajes lo protagonizaba Mia Wasikowska este año a las órdenes de la cineasta francesa Mia Hansen-Løve en 'Bergman Island'. En un relato de historia de historias, la actriz nos deja uno de esos momentos agridulces que se recuerden al ritmo nostálgico de Abba. Una razón por la que conectar con la sensibilidad de una historia sencilla cuya mayor virtud es la captura de la emoción.

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Gloria (2013)

La Gloria de Sebastián Lelio, protagonizada por la grandísima actriz chilena Paulina García, es sin ninguna duda, para mí, uno de los personajes más fascinantes de la cinematografía contemporánea y, por supuesto, también nos deja uno de los momentos musicales más catárticos de un personaje de cine, con ese momento de liberación final que se va construyendo poco a poco con la tensión invisible de la presión social.

Una vía de escape musical de la cual el director es un buen referente y que volvería a explorar unos años más tarde con la multipremiada 'Una mujer fantástica' en la que su protagonista, una mujer trans en duelo por la pérdida de su pareja canaliza el dolor y la agresividad a su alrededor a través de la música, en una escena onírica reveladora.

120 pulsaciones por minuto (120 battements par minute, 2017)

Uno de los momentos catárticos más emocionantes que recuerdo en el cine actual ocurre en el claroscuro de un ambiente agorero pero extremadamente vital del París de los 90 de '120 pulsaciones por minuto' de Robin Campillo.

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Cuando la vida es un musical: las 21 mejores escenas musicales en películas de otros géneros

Con el fantasma de la muerte y la enfermedad sobrevolando sin descanso, un grupo de chavales disfrutan de la vida en la más física de sus expresiones: bailando. Un descanso emocional que se agradece y pone en perspectiva el contexto. El remix discotequero de la ochentera Smalltown Boy se funde con el movimiento de los cuerpos, quedando pegado en la memoria.

Titane (2021)

Si hablamos de obras catárticas, este año se estrenaba una de las mayores bombas cinematográficas en esa mezcla brutal visual y sonora que es 'Titane', de Julia Ducournau. Sin duda, la música es uno de sus puntos fuertes y, Macarena mediante, tiene algunos de los momentos climáticos más punzantes de los últimos tiempos en sus escenas musicales. Sin desvelar demasiado, mención especial merece el baile sexy en el camión de bomberos.

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Otra ronda (Druk, 2020)

Para los que arrastran la celebración desde el vermú de por la mañana, el catártico "what a life" de Mads Mikkelsen ha sido uno de los momentos cinematográficos de la pandemia. En estas fechas de excesos, no podía faltar ese baile memorable de 'Otra ronda', donde Thomas Vinterberg reflexiona sobre la normalización del consumo de alcohol.

Cold War (2018)

Seguro que ya nos habéis leído mil veces que 'Cold War', de Pawel Pawlikowski, es una de esas películas en las que quedarse a vivir. Me reafirmo y subo la apuesta con esta escena definitiva para la noche de Nochevieja.

Lost in Translation (2003)

Para que el ritmo no decaiga, uno de los highlights de toda noche de fiesta es el karaoke. Podríamos haber elegido muchos momentos karaokeros de cine, como esa inesperada escena post-créditos hace un par de meses con Wong al micrófono, pero por ese tono tan decadente de fin de fiesta, esa icónica peluca rosa y, por supuesto Bill Murray desafinando, nos quedamos con el karaoke original, el del Tokio de 'Lost in Translation', de Sofia Coppola.

Spring Breakers (2012)

Para los nostálgicos, con ese punto melancólico de final de fiesta, 'Spring Breakers' deja una de las escenas más hipnóticas del cine americano reciente: YouTube no permite incrustar el vídeo así que tenéis pinchad aquí. Harmony Korine lleva los referentes pop un paso más allá con esta escena trágica de pérdida de la inocencia con la música desgarradora de Britney Spears. Uno de los iconos populares más memorables de la última década.

Black Coal (2014)

Para ir cerrando la pista a altas horas de la madrugada, uno de los momentos más memorables y que encierran más tensión de la espectacular 'Black Coal, Thin Ice', el thriller con el que nos volaba la cabeza Diao Yinan antes de su también fantástica 'El lago del ganso salvaje' ('Wild Goose Lake').

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"Nos aterroriza la cotidianidad de la violencia". Diao Yinan ('El lago del ganso salvaje')

Frances Ha (2012)

La última campanada, para empezar el año a tope, el canto a la vida de Frances Ha. Porque no hay nada más navideño que Nueva York y nada más vital que el cine Noah Baumbach. Con esa naturalidad y el optimismo adorable de la soñadora Frances de Greta Gerwig os deseamos una gran entrada de año y lo mejor para el año 2022.

Sofia Coppola es una de esas directoras que ha cosechado una corta pero estimulante carrera, al margen de la alargada sombra de su padre. Su cine está lleno de silencios que dicen más que las palabras, personajes aislados en su propio mundo, encerrados en jaulas de oro, marcados por la soledad y la incomunicación.

Si bien su estilo tan personal cuenta con muchos detractores (principalmente por su ritmo pausado), también es su principal virtud para sus seguidores. Vamos a echarle un vistazo a su filmografía destacando que, incluso las que son "menos buenas", son películas más que correctas (aunque, como siempre, influye mucho el gusto personal de cada uno).

'On the Rocks'

Personalmente, no es la película que menos disfruto de la directora pero sí que me parece la "menos Coppola" de todas. Aquí la historia trata de las diferencias generacionales y la falta de comunicación entre un padre (Bill Murray) y su hija (Rashida Jones) con un tono bastante más desenfadado y amable, dando pie a su cinta más accesible, aunque se eche en falta algo más de profundidad en la resolución del conflicto, de forma más visual y menos literal.

• Crítica en Espinof | Disponible en Apple TV+

'Somewhere'

Otra historia paternofilial, en este caso sobre un famoso actor (Stephen Dorff) que vive rodeado de lujo y se ve obligado a cuidar de su hija pequeña (Elle Fanning). Explora temas parecidos a 'On the rocks' pero de manera más sutil. Si bien es cierto que es el mejor ejemplo de la mala fama que tiene Coppola de "hacer películas sobre gente que se aburre" y el ritmo no es trepidante, precisamente, sí que sabe transmitir muy bien la magia de esos pequeños momentos entre padre e hija, plasmando el oasis que suponen para el protagonista.

• Crítica en Espinof | Disponible en Filmin

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'The Bling Ring'

Conocida por algunos como "la peli mamarracha" de Sofia Coppola, sin duda se trata de la cinta con mejor ritmo de la cineasta y también la más juguetona. Va sobre un grupo de jóvenes de Los Ángeles que deciden asaltar las casas varios famosos y robarles su ropa, joyas, etc. Bajo su aparente ligereza, tenemos una auténtica sátira sobre el materialismo y los excesos, con un tono irónico y una banda sonora popera que enmarcan esta increíble historia real.

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'María Antonieta'

Una de las películas más icónicas, en la que encontramos las principales características del cine de la directora: un personaje que lo tiene todo (María Antonieta), sin embargo, sufre su soledad en silencio. Coppola no se corta en retratar la sobreabundancia de la vida de la soberana, sin por ello negarle cierta empatía al personaje que al final solo era una adolescente con una vida que no había elegido. La música anacrónica, el diseño de arte, ese final... todo son detalles para recordar.

• Crítica en Espinof | Disponible en Movistar+

'La Seducción'

Pese a las críticas que le llovieron por ser un remake de 'El seductor', esta joya a reivindicar me parece el perfecto ejemplo de cómo versionear una historia que ya existe. En vez de limitarse a copiar a su predecesora, la cinta de Coppola ofrece nuevos e interesantes matices que complementan la original de 1971.

La cineasta coge la misma historia, un grupo de mujeres atrincheradas en una escuela femenina que ve agitada su rutina con la llegada de un soldado herido del bando contrario, y le añade mayor complejidad a los personajes femeninos, creando un amplio abanico de grises en sus personalidades. También recrea muy bien ese ambiente enrarecido y opresor que sume al espectador en la sensación de que algo terrible va a suceder en cualquier momento.

• Crítica en Espinof | Disponible en Rakuten TV

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2. 'Las vírgenes suicidas'

Su ópera prima es otra muestra perfecta del talento y las obsesiones de la directora, considerada como una obra generacional. Esta adaptación de la novela de Jeffrey Eugenides sabe capturar esa sensación etérea de la obra original y nos habla de esas jóvenes hermanas a quienes todo el mundo idealizaba en la distancia pero, en realidad, nadie conocía.

• Disponible en Rakuten TV

1. 'Lost in Translation'

La obra cumbre de Coppola y una de las mejores películas sobre la incomunicación. Un exitoso actor (Bill Murray) y la mujer de un famoso director de fotografía (Scarlett Johansson), ambos con situaciones personales en crisis, se terminan encontrando en medio de la gran ciudad de Tokio. De forma sutil y a través de los silencios, la cineasta nos retrata a la perfección el estado anímico de los personajes con todos sus matices.

• Crítica en Espinof | Disponible en Netflix